Hace tiempo que no escribo una entrada en el blog pero es que la ocasión lo merece y es que algo bueno está a punto de brotar. ¿Qué? ¿Cómo? ¿Cuando?
Atentos, TRAMPAS es una nueva banda “all-stars” formada en octubre del 2016 con integrantes de bandas de Getxo (Bizkaia) como son Pablo Jaén al bajo (Gringo), Iñigo Eguillor a la batería (Gringo, Arana) y Alvaro Real de Asua a la guitarra y voz (El Inquilino Comunista )(*). Sí, sí, habéis leído bien.
Trampas presenta su primer CD “Here Comes”, disco de presentación de diez temas grabado a primeros de marzo, es decir, recién sacado del horno.
Se trata de una autoproducción, grabada con Javier Letamendia, ‘Leta’ (**), como técnico de grabación y mezclas y con la posterior masterización en MAMIA por Jonan Ordorika.
Su álbum debut se presentará en directo el 27 de mayo en San Miguel Getxo Music & Food, evento super recomendable en el que tocarán bandas como Gringo, Still River y Mobydick, entre otros. Aún no está disponible en las plataformas digitales aunque pronto lo estará y ya se puede adquirir en Power Records Bilbao y en Grabasonic.
He aquí su primer adelanto ‘Don’t Push Me Back’.
Os digo yo que he escuchado el álbum completo y suena excelente. Aquí tenéis otra de mis favoritas, ‘King Of The Land’.
(*) El Inquilino Comunista, es una banda de indie rock de los noventa considerada pionera de este estilo musical y englobada dentro del movimiento Getxo Sound, con influencias de bandas de la escena estadounidense de los últimos 80 y primeros 90 como Pixies, Sonic Youth, Pavement, Dinosaur Jr o Yo La Tengo, entre otras.
(**) Javier Letamendia es músico, productor y profesor originario de Getxo. Ha formado parte de bandas como El Inquilino Comunista, Maxia, We are Standard o Planetaleta, proyecto en el que se encuentra inmerso en la actualidad.
Ayer tuve la ocasión de trasladarme a otra época, mas exactamente a los años 80 y a cuando era pequeña. Recordé cuando iba a casa de mis abuelos y mis tías, que por aquellas fechas viajaban mucho a Londres y eran tan estrambóticas, ponían sus vinilos de The Cure, Joy Division, Tears For Fears, Simple Minds a todo volumen inundando con aquel sonido tan especial toda la casa e incluso llegándose a escuchar la música desde el jardín. Tenían un baúl lleno a rebosar de discos antiguos y actuales de la época y yo me pasaba horas mirando las fotos que contenían, sus carátulas y leyendo las letras de las canciones que me gustaban intentando aprendérmelas. Que bonito era aquello y qué poco se hace ya hoy en día.
Anoche los suecos The Mary Onettes actuaron en la sala Moby Dick Club de Madrid y me trajeron aquel recuerdo tan bien guardado en la memoria e incluso el del olor tan característico y familiar de los vinilos en sus respectivas funditas de plástico y envoltorios de papel alojados en aquel inmenso baúl de tesoros. El día anterior les había escrito con la ilusión de si podían enviarme la letra de una de las canciones de su último álbum, Hit The Waves (2013) que lleva como título Unblessed y me chifla. No esperaba contestación alguna pero bueno, por intentarlo, que no quedara y cual fue mi grata sorpresa cuando ayer vi que tenía un mensaje de ellos. – ¡Hola Katrin! Aún no hemos publicado las letras pero puedes encontrarlas en las carátulas de los CDs y mañana si quieres, lo podrás comprar -. Les di las gracias, pregunté con quien tenía la amabilidad de hablar para saludarle por la noche y me dijo, – Petter, ¡Nos vemos esta noche! -.
Su directo no me defraudó en absoluto, esa voz del cantante tan particular, antigua pero a su vez fresca y de gran calidez, el bajo, el baterista, mi amigo Petter (el guitarra). Impresionantes. La mayor parte de las canciones que tocaron fueron de su último álbum pero no dejaron atrás otras como la tremenda Lost (video) que puso a toda la sala patas arriba, Void, Puzzles, acabando en los bises con un acústico de Pleasure Songsque al menos a mí me dejó con los pelos de punta.
Al finalizar como no, nos acercamos a la mesa del merchandising y les saludé, sí soy yo la de ayer de Unblessed. Se acordaban, nos reimos, charlamos un buen rato puesto que iban después a pinchar música a Fotomatón, recordaron su impresionante concierto en Málaga al que por supuesto mi amigo Pablo había ido, su estancia en Bilbao que les encantó… ¿Qué más se puede pedir? A la salida tras un buen rato, nos despedimos y encontramos con quien les gestiona aquí en España, A.c. Fika Sound, que curiosamente son de Bilbao. ¡Aiba la hostia! de Bilbao tenían que ser. Fue todo unas risas tremendas con ellos y desde aquí les mando un saludo. ¡Espero volvernos a encontrar pronto Roberto y David de Ornamento y Delito! ¡Ah! ¡Y traedles pronto de vuelta!
And you guys from The Marionettes, have fun in Zaragoozá and in Zarautz!
Aquí os dejo mi canción y cómo no ¡La letra!
This is my time
I’m bold in my dreams
This is my life
I don´t know where to aim
Pulling me out from the dark
So greater things can come
This is my time
Should give it to you
It’s more than just a bad dream
When your thoughts
are gonna pull you down
I’m sorry to tell you
But my faults are gonna grow
It’s more than just a bad dream
It’s more than just a bad dream
This is your fun
Slay the ones you fear
This is your life
You can’t point it right
It’s more than just a bad dream
When your thoughts
are gonna pull you down
I’m sorry to tell you
But my faults are gonna grow
It’s more than just a bad dream
It’s more than just a bad dream
Ver un concierto de Mark Oliver Everett y su banda no es ir a un concierto cualquiera, al menos no lo es ya para mí. Desde que leí su libro autobiográfico Cosas Que los nietos deberían saber, (libro que recomiendo a todo el mundo fervientemente e independientemente de que le guste su música o no) ver un concierto suyo es ahora ir a ver tocar a mi amigoE.
A diferencia de en su anterior concierto en Madrid, en el Dcode Festival, en el que todos los componentes vestían de traje y corbata; esta vez acudieron todos rigurosamente uniformados para asombro de los presentes, con el clásico chándal Adidas negro con rayas blancas, barba y cómo no, gafas de sol. La sala estaba abarrotadísima, apenas podíamos avanzar para llegar a nuestro lugar estratégico de La Riviera.
El fin principal del concierto era presentar su nuevo y recién estrenado álbum Wonderful, Glorious (2012) yde hecho, así fue; tocaron gran parte de las canciones de este último gran y notable trabajo (no dejéis de escucharlo). Comenzaroncon Bombs Away, la pegadiza Kinda Fuzzy, también hubo una versión de Fleetwood Mac y el temazo Peach Blossom, tan animado. La desgarradora The Turnaround subió el nivel de emoción y bueno, ¡qué decir cuando tocaron Fresh Feeling! ¡Gran momento de felicidad!
Aquellas personas que puedan pensar que un concierto de Eels puede ser lento o quizá algo soso, se equivocan por completo. A pesar de tener muchos temas lentos en la mayor parte de sus álbumes, el directo que tienen sobre el escenario es alucinante: rockero, guitarrero, movido y sobre todo, excelente. Desde luego que este hombre irradia luz, energía y vitalidad, supongo que fruto de su espíritu libre. Habló con el público, rió, bromeó, se abrazó al bajista conocido como The Chet celebrando sus diez años como integrante del grupo, dio las gracias una y mil veces al equipo, se volvieron a abrazar todos… La gente, por supuesto que en esos momentos, ya estaba totalmente entregada a ellos y como para no estarlo. No hay conciertos de estos tan a menudo. Todos gritaban ¡Sí se puede! ¡Sí se puede! Y es que después de las vivencias y situaciones por las que ha pasado Mr. E, uno se da cuenta de que, en realidad, todo es superable y todo lo que uno se proponga en la vida, se puede lograr.
Llegó la parte final con Souljacker Part I y Wonderful, Glorious y los bises con la genial unión de las canciones My Beloved Monster y Mr. E Beautiful Blues. ¡Qué fuerza! Finalizaron con Fresh Blood vitoreados por un público completamente exaltado.
Fue uno de esos conciertos que se te hacen cortísimos y que dices ¿Pero ya? ¡No por favor! ¡Quiero más! Pero la gran sorpresa estaba aún por llegar; lo mejor de todo el concierto. Se encendieron las luces, empezaron a recoger el escenario, la gente fue saliendo de la sala y nosotros decidimos esperar un poco hasta que saliera la marabunta. Con la sala medio vacía, cual fue nuestra sorpresa que después de un largo rato, (una pena para los que se fueron) aparecieron de nuevo como una exhalación sobre el escenario, cosa que no he visto jamás en ningún concierto anterior y con las luces apagadas y los del backstage por el medio, tocaron dos temazos que llenaron de alegría los corazones de los que aún permanecíamos en la sala. ¡Qué emocionate! Era el último concierto de su gira por Europa tras diez semanas de Tour y ellos mismos completamente emocionados, saltaron, bailaron; incluso mientras votábamos, el baterista nos acompañaba con sus baquetas hasta que finalizó tirándolas por los aires. Sacaron carteles con los nombres de las personas del equipo en agradecimiento por toda su travesía juntos. Abrazos y más abrazos. Sí, EMOCIONANTE es la palabra exacta.
La primera vez que escuché hablar del término Música Neo-clásica fue a través de mi amigo Jonathan Amezquita quien también toca el piano; charlando acerca de gustos musicales, me dijo que era su música favorita aunque yo al principio, no sabía a qué tipo de música se refería. – ¿Pero qué quiere decir exactamente neo-clásica? – Pregunté. – Sí, jóvenes compositores actuales, que mezclan la música clásica como el piano, con otros sonidos. – La segunda vez y en un brevísimo espacio de tiempo, fue mi querido amigo Pablo Benéitez Martínez y precisamente en este blog, quien me comentó que a principios de Enero, se celebraría el ciclo de Pianismos en la Casa Encendida de Madrid. Y así fue, del 4 al 6 de enero de 2012 se celebró el ciclo de “Pianismos: nuevas músicas para piano” y cómo no, no nos lo perdimos. Emprendimos así, o al menos yo, un increíble viaje al centro del Ser.
Mediante este proyecto de “Pianismos” se pretendía mostrar el renacimiento que está viviendo el piano gracias a una nueva generación de compositores e intérpretes jóvenes con varias notas en común: todos ellos han estado en contacto con el pop-rock, la electrónica o la electroacústica. Además de interpretar a grandes compositores, tocan sus propias creaciones y para finalizar, contribuyen activamente a reinventar el sonido del piano, poniéndolo en relación con las nuevas estéticas musicales y los procedimientos competitivos contemporáneos.
Y es que dándole vueltas a la cabeza durante todo este tiempo y escuchando su música, creo haber llegado a captar la esencia propia de la misma y es que entre ElSilencio y ElSonido hay una amplia gama de matices, matices que van desde lo apenas imperceptible, a sonidos cotidianos que rodean y acompañan toda nuestra vida. Muchas veces, ni siquiera reparamos en ellos, pero a veces sí que son importantes; marcan momentos, sellan recuerdos, pequeñas notas en las que quedan grabadas imágenes, sensaciones, emociones. Podría decirse, a mí entender, que la música de estos nuevos genios aúna todos esos sonidos junto con el piano como instrumento central. En realidad, no hay límites ya que cualquier cosa puede generar sonido; desde la metodología más moderna a través del ordenador, hasta unos simples golpes, pasos, la propia voz o incluso un serrucho o radio desintonizada, tal y como pude comprobar por mí misma en dicho ciclo.
Cuando acudí a los Pianismos y mientras contemplaba cada actuación, no podía dejar de preguntarme cómo se les habría ocurrido probar con cada uno de aquellos elementos. Ahora comprendo que mediante la contemplación de la vida, la experimentación de sus propias emociones y la exploración de todos los medios posibles para poder transmitirlas al exterior. Now, I understand…
Peter Broderick: Part 2 Understanding.
Este ciclo se celebró en el patio de la Casa Encendida, un amplio lugar de techos altos en donde el piano de cola era el gran protagonista. Rodeados de algunas sillas, el patio estaba repleto de cojines y mantas para que todos nosotros pudiéramos disfrutar de semejante espectáculo cómodamente, a nuestras anchas. Así, unos estaban sentados, otros tumbados y todos, observando a la gente de mi alrededor, profundamente emocionados.
Nota Previa.
Sé que esta entrada en el blog puede parecer un poco larga y tal vez algo densa, sobre todo, para aquellos que no conozcáis este tipo de música o no estéis familiarizados con ella, pero espero que la vayáis saboreando y desgranando poco a poco porque merece la pena ir profundizando en cada uno de los autores que os relataré a continuación. Me ha costado muchísimo escribir este post, quizá porque a su vez, he tenido que profundizar en mí misma y además, quería hacerlo BIEN, porque ha sido uno de mis grandes descubrimientos de este año. Al final os dejo, como de costumbre, una playlist en Spotify para que encontréis toda la música. Espero que os guste tanto como a mí.
Primer día: Sylvain Chauveau y Dustin O’Halloran.
Sylvain Chauveau.
Fue quien inicio el ciclo y a mi entender, el compositor más rompedor de todos los participantes. Comenzó tocando varias piezas, pudiera decirse más o menos clásicas, para pasar de ahí a la absoluta improvisación mediante sonidos provenientes de una radio, su ordenador y su preciosa voz. Gran parte del público estaba realmente sorprendido ante semejante actuación, llegando incluso a marcharse por no comprender lo que estaban presenciando ante sí. Tal y como he leído; comenzó con el bajo y la guitarra y se declara incapaz de escribir o leer música.
– Escuchando tus discos recuerdo películas antiguas en blanco y negro, o tardes perdidas en el patio cuando era niño. ¿Qué es lo que más recuerdas de tu infancia? – Creo que mis composiciones están relacionadas con una especie de dulce nostalgia. No es algo que buscase, pero mucha gente me ha dicho que tiene esta sensación. Mi propia infancia fue muy tranquila. Dulce y aburrida al mismo tiempo, podría decirse. No ocurrió nada dramático. Y era increíblemente tímido, al punto de ser incapaz de hablar con personas desconocidas. Incapaz de expresarme. Posiblemente eso es lo que hace que uno se convierta en artista: expresarte de otra manera.(1)
The Unbroken Line es un claro ejemplo para comprender lo que le ha impulsado a este gran artista a crear su música.
Dustin O’Halloran.
Este pianista y compositor norteamericano nacido en 1971, fue el primero de los artistas que escuché antes de acudir a este ciclo y me cautivó desde la primera escucha. En el primero de sus álbumes, Piano Solos (2004) se percibe la inspiración de los grandes compositores clásicos, como Chopin, Satie y Debussy. Es más, escuchando alguna de sus piezas en directo, fui trasladada inmediatamente a mi época de bailarina de ballet clásico que tanta felicidad me proporcionaba; me hizo recordar aquellos tiempos difíciles pero a su vez tan maravillosos, en que mi única forma de expresión o la más sencilla era a través del baile.
Fue escuchar el segundo de sus álbumes de 2006 Piano Solos Vol. 2 y caer rendida ante su música, especialmente con Opus 23. No puedo explicar la mezcla entre melancolía y alegría interior que me proporciona esta canción. Dejo aquí su video para que lo comprobéis por vosotros mismos.
Dustin O’Halloran también ha colaborado en bandas sonoras de películas como An American Affair (2009) de William Olsen y en Marie Antoinette de Sofía Coppola, pero es con su álbum Lumiere (2009), cuando realmente opta por una mayor orquestación frente a la moderación anterior y donde se asemeja más a sus compañeros de este ciclo. Éste es un álbum increíble de principio a fin. Como canciones que me roban ya no el corazón sino el alma, señalaría We Move Lightly y fundamentalmente, Fragile N. 4. ¿Cómo alguien puede componer una canción tan perfecta? ¿No os sentís muchas veces así, frágiles? Pero ¿Y la alegría de ir superando todas las barreras y obstáculos que la vida nos interpone a pesar de ello?Escuchad atentamente.
Frafile N.4.
Segundo día: Rachel Grimes y Nils Frahm.
Rachel Grimes.
Nos narró una pequeña historia de cómo había elaborado su álbum Book Of Leaves (2009) para que lo entendiéramos mejor. Debido a que en su casa en Kentucky no podía concentrarse, decidió mudarse a un convento cercano a dicha localidad, concretamente a Sisters Of Loretto en Nerinx, Kentucky.
Allí nos contó cómo cada mañana acudía a la gran capilla a tocar su maravilloso piano y cómo cada día iba reparando en todos y cada uno de los sonidos que la acompañaban. Al principio pensaba «¡Pero cómo voy a estar yo aquí rodeada de monjas si ni siquiera soy católica!”. Sin embargo y para su sorpresa, descubrió cómo era la vida de aquellas mujeres entrañables dedicadas en cuerpo y alma a los demás. – Bueno, tengo que reconocer que también me ayudó a conocerlas mejor el hecho de que por las tardes solíamos salir al porche a tomar un whiskey, o mejor dicho un Bourbon, o dos, o quizá tres. – Reía. Había una destilería cercana al convento y aquello era lo único existente por aquel lugar, el queso elaborado a diario por las monjas y el Bourbon.
Su álbum es maravilloso. Me recuerda tanto a algunos momentos de mi infancia…, a los primeros sonidos que escuchaba nada más levantarme en mi casa de Bilbao, con la lluvia o los pájaros como con Everymorning, Birds, o a los domingos soleados con el sonido lejano de las campanadas de la iglesia del pueblo en She Was Here. También a otros momentos posteriores de meditación y soledad como en The Corner Room, impresionante canción por cierto, o a la emoción que experimenta uno al sentirse contento, feliz, como en My Dear Companion.
Nils Frahm podría pasar desapercibido entre las multitudes, un chico joven que bien podría ser un estudiante de Erasmus residente en Madrid y, sin embargo, nos demostró su virtuosismo ante el piano. Sus piezas son concisas y funcionan, tal y como lo describe a la perfección Presspeople, como un emocional travelling sonoro proyectado sobre la imaginación del oyente. Virtuosa e impresionista, minimalista y dinámica, la música de Frahm es talento en estado puro. Los interesados pueden buscar su música en Erased Tapes Records, Hush o AtelierMusik.
Y esto es así, creo que fue de los momentos más intensos del ciclo. Vamos, al menos yo, salí completamente emocionada este día, hasta tal punto que le dije a Pablo que no podía hablar por lo menos en un buen rato, jajaja. Said and Done!
Uno de los momentos cumbres este día fue cuando tocaron juntos Nils Frahm y Rachel Grimes. Esto sí que es una sincronización y compenetración total ante el piano. ¡Sí, señores!
Tercer día, Greg Haines y Peter Broderick.
Greg Haines.
Este jovencísimo también compositor inglés está a punto de deleitarnos con un nuevo álbum que lleva el nombre de Moments Eluding(2012) en el que el protagonista es el piano. Pero es que además, también ha escrito un nuevo ciclo de canciones que llevará el título de Disgressions (2012) cuya impresionante canción dejo aquí.
183 Times
Durante el concierto nos obsequió con una canción que había compuesto a los dieciséis años, sí, sí, a los dieciséis. Y digo yo ¿Pero qué hacía yo a esa edad? El tonto, vamos. ¿Cómo alguien puede componer semejante canción a tan temprana edad?
Peter Broderick.
¿Cómo describir a este compositor y cantante norteamericano? ¿A este genio? Por lo pronto, creo no haber conocido a ninguna persona tan creativa y con tanta imaginación en lo referente a la música hasta el momento. Su radio de acción va mucho más allá del piano, pues en su ya amplísima discografía figuran lanzamientos orientados hacia el folk, la música de cámara o hacia el pop neoclásico, y todos ellos con resultados excelentes. En la siguiente foto tomada aquel día, yo me preguntaba ¿pero cómo se le ocurre a alguien grabar el eco que produce su voz dentro de un violín?
Este compositor es, tal y como os he intentado explicar al principio de este post, una persona sin límites en la música, completamente abierto a la innovación y a la experimentación. Además de haber sido miembro de la banda danesa de música experimental Efterklang, toca instrumentos, como el banjo, la mandolina, el violín, instrumentos de percusión, la voz, una sierra e incluso su cuerpo. Y es que en ocasiones, él mismo es el propio instrumento. Sí, cómo lo oís.
En una de las actuaciones estelares junto con Nils Frahm, ambos artistas fueron dejando de tocar cada instrumento que componía la canción para seguir el ritmo con las manos, los pies, cantando, dando pequeños golpes al piano, al suelo y mientras, todos los asistentes observábamos atónitos y boquiabiertos. Muchos reíamos y pensábamos ¿Pero qué hacen éstos?¿Se han vuelto locos? Pero es que llevaban el ritmo en el cuerpo, como si fueran ellos el instrumento, el transmisor, manteniéndolo sin soltarlo para luego pasar de ahí otra vez, a incorporar poco a poco el piano y el resto de instrumentos hasta llegar a la normalidad. Increíble.
En su último álbum publicado recientemente It Starts Hear (2012), la primera canción la titula I Am Piano y es que la música fluye a través de él, se convierte en EL Piano.
Tengo que hacer reseña ahora a dos canciones que me impresionaron mucho en su actuación y que cada vez que las escucho a día de hoy, vuelve a recorrerme el mismo escalofrío por la espalda como aquel día. La primera, Human Eyeballs On Toast, de su álbum How They Are (2010), por la letra, la música y su composición. Me chifla.
La segunda, pertenece al álbum Home (2010), Games Again y me dejó con el corazón en un puño. Imaginaos a Peter andando por todas partes entre el público y cantando así, a viva voz. Pablo me zarandeaba por si estaba bien al finalizar la canción. Pero que conste que en otras ocasiones yo también te vi a ti muy emocionado ¿Eh, Pablo? A pesar de tener el video de la Casa Encendida, dejo este de Portland que se escucha mejor. Ya me diréis. ¡¡¡Pelos de punta!!!
Broche final del ciclo.
Para cerrar este acto, el broche final lo pusieron tocando Rachel Grimes, Nils Frahm, Greg Haines y Peter Broderick juntos. Todo un espectáculo.
Y aquí tenéis este video grabado ese mismo día para que os podáis hacer una idea.
Spotify Playlist:
Pinchando en el siguiente link encontraréis la playlist que he ido alimentando durante todo este tiempo con las canciones que más me gustan y con los últimos álbumes de estos maravillosos artistas.
Como próximos conciertos de esta nueva corriente de música neo-clásica en las próximas fechas, tenemos:
El del compositor islandésÓlafur Arnalds, quien actuará el día 11 de Marzo en la Sala Apolo de Barcelona, concierto al que por supuesto acudiré con Pablo y el del día 12 del mismo mes, en el Teatro Lara de Madrid. ¡No os lo perdáis!
El de A Winged Victory For The Sullen, grupo al que pertenece Dustin O’Halloran , el próximo 19 de Marzo, en el ECO Festival englobado dentro de la Red Bull Music Academy, que se celebrará en el Matadero de Madrid y que espero no perdérmelo tampoco.
¡¡Avisados estáis!! Y espero que este viaje dure toda la vida y no acabe nunca.
Agradecimientos.
Quiero agradecer a La Casa Encendida por ser tan geniales conmigo y enviarme todas y cada una de las fotos que aparecen en este post. Son increíbles y me alegra muchísimo tener la primicia de ellas. ¡Muchísimas gracias!
A My Dear Companion, es decir, a Pablo Benéitez , porque gracias a ti he descubierto esta música que me alegra tanto el alma. Espero que sigamos disfrutando juntos de este viaje muchas veces más. ¡Esta canción va por ti!
Y para finalizar, a todos mis amigos en general, por aguantarme con mi música a cuestas todo el día y por apoyarme y ayudarme a que pueda escribir acerca de las cosas que me gustan.
El pasado viernes, 02 de Diciembre, el grupo de post-punk/garage rock revival británico, The Horrors, actuó en la Sala Rockitchen de Madrid, dentro de su gira por España. Por supuesto, no estaba dispuesta a perderme a uno de mis grupos favoritos y acudí sola al evento puesto que, aunque me hubieran querido acompañar, las entradas estaban agotadísimas desde hacía días.
Decubrí este grupo alrededor del año 2009, con su álbum Primary Colours (2009) y creo recordar que fue a través del maravilloso magazine EP3, suplemento musical de El País que antiguamente salía todos los viernes. Por cierto, cómo me gustaba el EP3; no había viernes que no saliera a cualquier hora a comprarme el periódico simplemente por no perdérmelo. (Actualmente, únicamente podéis encontrarlo en su versión digital y con su nombre original Tentaciones ).
En una primera escucha me pareció una música algo difícil de digerir pero, sin embargo, cuanto más lo iba escuchando, más me iba enganchando. Su nuevo álbum, Skying (2011) me ha confirmado que mi instinto musical no fallaba, me encantan todas y cada una de sus canciones y las letras, no digamos. Este grupo tiene potencial, es diferente y su último álbum creo que será uno de los discos del año.
En cuanto al concierto y debido a razones inherentes de la sala, comenzó con muy mal sonido con Changing The Rain; parecía que tuvieramos al batería pegado al oído, sin embargo, a medida que avanzaron con Who Can Say y I Can See Through You, fue mejorando hasta tal punto que la gente totalmente entregada parecía estar en éxtasis. Al menos yo, casi entro en trance con una de mis canciones favoritas de Primary Colours, Scarlet Fields.
Por allí había gente de lo más estrafalaria, desde modernos, punks, medio góticos e incluso artistas como Alaska y su marido, Mario Vaquerizo, se dejaron ver por allí. Luego estaban las típicas tías que no habían escuchado al grupo ni por asomo porque mira que decir, como escuché: » ¡Jo, si no han tocado ninguna del último álbum!» ¡Dios, es que es para matarlas! Pero bueno, pese al trajín del personal debido al lugar en donde me encontraba y de que el sonido se cayera completamente en el momento álgido de Sea Within A Sea, tengo que decir que disfruté como una enana.
Espero tu crónica I. Goikoetxea, o al menos algún comentario del concierto del día siguiente en el Kafe Antzokia de Bilbao. Nos interesa a todos muchísimo ¿Verdad?
Os dejó aquí la canción que esperemos poder volver a escuchar en su totalidad muy pronto y unas fotos increíbles que me ha cedido Ana Mena, para este post. ¡Muchas gracias, Ana!
Fotos:
P.D.: ¿A qué no sabéis qué foto sacaron The Horrors al día siguiente? ¡Esta! ¡Qué casualidad!
Ayer, que estaba agotada tras un fin de semana entero sin parar en Bilbao, me llamó mi amigo Juan Eguia proponiéndome un plan: ir a ver un concierto de jazz al Teatro Circo Price de Madrid, concierto englobado dentro del XVIII Festival de Jazz de Madrid 2011.
El artista no era otro que el virtuoso guitarrista de jazz Pat Metheny desconocido por mí hasta aquel momento, puesto que he de reconocer que no soy muy entendida en dicha rama musical, aunque menos mal que le tengo a él que al menos, poco a poco, va introduciéndome en esos terrenos jazzísticos tan complicados de los que él tanto sabe.
Finalmente accedí y ni siquiera pude escuchar una sola canción del guitarrista puesto que ya era bien entrada la tarde así que como siempre, me fui corriendo a otra de mis aventuras musicales. Cual fue mi sorpresa al llegar y ver que aquello estaba abarrotado, incluso había gente pidiendo entradas por si tenían la buena fortuna de que alguien vendiera la suya. Nunca había visto el Teatro Circo Price de semejante manera, hasta las gradas de más arriba estaban completas.
Se apagaron las luces y aparecieron Pat Metheny junto con el contrabajista Larry Grenadier y posteriormente el baterista de jazz Bill Stewart. Tras dos horas y media que duró el concierto con un montón de bises incluidos solicitados por un público exaltado y completamente emocionado, tengo que decir:
Muchas gracias querido amigo Juan por darme la oportunidad de haber acudido a semejante concierto del que aún sigo impresionada. Estoy impactada y SIN PALABRAS.
Nunca he visto a nadie tocar de semejante forma; cada una de sus diversas guitarras dejó de ser un instrumento musical para pasar a ser más bien un complemento de sí mismo, una extensión de su cuerpo y perfecto transmisor de su alma.
El trío perfectamente sincronizado formado por él y los buenísimos baterista y contrabajista, nos fue deleitando con canciones de los álbumes de Pat Metheny Trio así como con otras de los primeros álbumes del músico, del álbum Orchestrion (2010) para luego terminar con And I Love Her (Beatles Cover) de su nuevo álbum What’s It All About (2011).
Me llamó muchísimo la atención una especie de guitarra-arpa que utilizó para un par de canciones, la Guitarra Pikasso de 42 cuerdas. Sencillita ¿eh?
Pues podéis ver este Solo que también tocó ayer en Madrid y ya me diréis qué os parece, a mí desde luego me dejó de nuevo SIN PALABRAS.
¿Y la «máquina de instrumentos musicales» u Orchestrion conectada a su guitarra con la que grabó el álbum que lleva dicho nombre?
Mediante dicho invento inspirado en los pianos mecánicos de principios del siglo XX, Metheny va tocando y pulsando unos botones que van conectados a instrumentos de percusión variados, un piano de cola, vibráfonos y otros objetos que recogen el sonido de su guitarra y lo interpretan y reproducen generando una gran banda musical. Realiza una especie de sampleado tocando y grabando sobre la marcha cada sonido que va generando para ir superponiéndolos unos a otros hasta lograr una auténtica banda sonora con una única persona, él mismo. Muy sencillita también ¿Verdad? Vamos, que otra vez… SIN PALABRAS y si no, por favor, ved este video.
Pat Metheny nos habló de su relación con Enrique Morente y de lo muchísimo que lo admiraba. Además de haber tocado juntos en ocasiones anteriores tenían un proyecto juntos pero no llegaron a producirlo; fue entonces cuando se sentó y bajo un silencio sepulcral nos deleitó con Find Me In Your Dreams, canción cuya versión original está grabada con la voz de Estrella Morente, hija del cantaor.
Esta misma noche actuarán de nuevo The Pad Metheny Trio en la Sala BBK de Bilbao así que espero que lo disfruten mucho todos aquellos que hayan podido conseguir la entrada puesto que están agotadas desde hace días.
Para finalizar este post os dejo una Playlist con las canciones que sonaron ayer en el @circoprice y algunas más de su gira actual y que podéis escuchar en Spotify así como una pequeña biografia muy interesante de este artista que ha ganado ya 17 premios Grammy. Pero antes me despido con este impresionante video de una de las canciones con las que cerró su actuación, Are You Going With Me? y que os dejará… ¡Ya sabéis cómo!
Patrick Metheny guitarrista de jazz norteamericano es uno de los más grandes músicos de este género. Ha ganado innumerables premios y reconocimientos, entre ellos 17 Grammy. Empezó a tocar la trompeta con 8 años para cambiarse después a la guitarra a los 12. A los 15 estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City y a los 18 años, fue el profesor más joven de la historia en la Universidad de Miami. A los 19, se convirtió en el profesor más joven de la historia en Berklee College of Music, donde también recibiría un doctorado honoris causa veinte años después
Ha sido un verdadero pionero en el ámbito de la música electrónica y fue uno de los primeros músicos de jazz en usar el sintetizador como un instrumento musical. Años antes de la invención de la tecnología MIDI, Metheny usaba la Synclavier como herramienta de composición. También ha participado en el desarrollo de varios nuevos tipos de guitarras, como la guitarra acústica soprano, la «Pikasso» de 42 cuerdas, su guitarra de jazz Ibanez PM-100, y una variedad de instrumentos personalizados.
A lo largo de su trayectoria ha ganado innumerables premios y reconocimientos, como encuestas como «Mejor guitarrista de Jazz» y premios como tres discos de platino por «Still Life (Talking)», «Letter from Home» y «Secret Story». También ha ganado 17 Grammy repartidos en diferentes categorías, incluyendo mejor álbum de rock instrumental, mejor disco de jazz contemporáneo, mejor solo de jazz instrumental y mejor composición instrumental. Con el Pat Metheny Group ganó siete consecutivos.
El músico y compositor japonés Ryuichi Sakamoto se encuentra estos días de gira por España y me ha recordado a algo que escribí no hace mucho tiempo: “La Creación”; así es como comencé mi primer intento de blog y cuyo primer post llevaba este título que decía así:
«Y llegó el día de la creación… la creación de mi nuevo y particular espacio musical. MI ESPACIO ¡Me gusta cómo suena! Mi mundo es rico, vivo y dinámico, de fuentes inagotables donde caben todo tipo de estilos, ritmos y sonidos puesto que los estados de ánimo y las vivencias diarias van cambiando conforme transcurren las horas, los días, el TIEMPO y la música siempre me acompaña reflejando mi forma de sentir y mis emociones… Naturalmente no podría ser de otra forma en mí».
Fue a partir de ese día que tomé la determinación de crear mi propio espacio y aunque me haya llevado algo de tiempo llevarlo a cabo, va tomando al fin su forma, libremente, poco a poco, con pasión y entusiasmo. Este espacio no va ligado a modas ni a dar a conocer la última de las requeteúltimas noticias o a la realización, cual erudita, de críticas musicales indescifrables o a la búsqueda de la gloria fugaz del primer entrevistador, publicador o como quieran llamarlo. Alguien me dijo hace poco acerca de este blog “pues como amateur está bien” y entonces pensé; es que esto no es una revista musical, para eso ya hay muchísimas y algunas buenísimas por cierto; para eso ya están los periodistas, cronistas y expertos musicales y ese no es el fin, al menos no el mío. Se trata de otros puntos de vista, de dar a conocer cosas curiosas, crear sensaciones, de compartir todo aquello que me llama la atención, la buena música que llega a lugares recónditos, de vivencias, aventuras y desventuras y una larga lista que podría seguir escribiendo sin fin.
Volviendo a lo anterior, para aquél primer post tenía que empezar con una buena canción que realmente me hiciese SENTIR de verdad. Yo creo que cada uno tiene al menos una, sí o sí. (Espero que compartáis conmigo la/s vuestra/s). Yo elegí esta maravillosa canción que aún a día de hoy, consigue unir mi alma con el TODO. Es increíble lo que puede hacer la música; hay canciones que consiguen tocar tu fibra débil transportándote a otro lugar. En este caso es a un lugar lleno de paz y serenidad.
Se trata de una canción del álbum «Chasm» (2005), Seven Samurai (Ending Theme), compuesta por este increíble músico japonés que nos visita, al cual admiro muchísimo por su gran creatividad innovadora y su apertura musical, es incluso a veces, sorprendente.
¿Sabíais que de adolescente Ryuichi tomaba el tren cada mañana para ir al colegio y que durante el viaje trataba de descifrar todos los sonidos que había a su alrededor descubriendo alguno nuevo cada día?
Aunque en ocasiones parezca muy clásico, hay pocos géneros musicales con los que el artista no haya experimentado – «Tengo muchos intereses. Ésa es la razón por la que he probado estilos musicales tan diferentes. Me aburro muy rápido. Ésa es mi naturaleza. Si algo me interesa, me lanzo velozmente de lleno y con la misma rapidez me canso. Me rijo por lo que es nuevo para mí, no para los demás» (1)
Bueno pues esta canción coincidió con una época en la que estaba leyendo el libro «Seda» del escritor italiano Alessandro Baricco, en el cual el protagonista realiza diversos viajes a Japón. Ya la conocía con anterioridad pero fue en el momento de terminar la historia cuando pensé en ella ya que encontré la canción perfecta que lograba exteriorizar la sensación que me causó el libro, JAPÓN…
Tiene su gracia porque ahora revisando su discografía descubro que ha realizado la banda sonora de la película inspirada en dicho libro, Silk (2007) que por cierto aún no he visto y yo sin saberlo. ¡¡Sorprendente!!
Toda su discografía está plagada de canciones increíbles, exquisitas, de una sensibilidad arrolladora. Entre mis favoritas os citaría The Sheltering Sky (la versión original de la película que lleva el mismo nombre, aunque la de piano también me gusta mucho), Merry Christmas, Mr. Lawrence, Undercooled que me recuerda a mi querida amiga Marga Dorao, alias @Museica, por lo mucho que le gusta Japón; War & Peace, Chasm y World Citizen por su originalidad y como no, la oscarizada The Last Emperor, tema principal de la película El Último Emperador, cuyo video siempre enseño a mis amigos y que:
Por favor, ¡¡ NO DEJÉIS DE VERLO!! ¡Es alucinante!.
Para finalizar, os diré que Ryuichi Sakamoto ha hecho grandes esfuerzos por apoyar a Japón ante el desastre de Fukushima, colaborando con una gran cantidad de músicos y compositores para la creación de un álbum para la obtención de fondos: FOR NIHON, lo podéis consultar junto con otras cosas, en esta página: http://www.whitevinyldesign.com/fornihon/
Geneva Jacuzzi es un extraño personaje en ascenso del underground musical californiano de Los Ángeles. Una vez más y cómo a cantantes tales como Girls, Micachu & The Shapes, The Wave Pictures y muchos otros, la descubrí escuchando la Radio del igualmente californiano Jeremy Jay, hace ya un par de años.
Empezó a sonar una curiosa canción y tuve que dejar de hacer lo que estaba haciendo para ir corriendo al ordenador a ver quien era la protagonista de semejante sonido entre retro, gótico, synth y no sé cómo describirlo; era Geneva Jacuzzi y la canción «Sand Trap» del álbum Lamaze. Sinceramente me pareció rarísima tanto ella como sus canciones pero curiosamente tiene algo que engancha.
Sus creaciones se mueven entre lo musical y lo visual. Más concretamente y para que podáis entender un poco su estilo de música os remito directamente a un artículo que me ha parecido interesantísimo de scannerFM.com y el nuevo movimiento «Glo-Fi aka Hypnagogic Pop«
Este pasado verano ha estado de gira junto con John Maus y Puro Instinct alrededor de todo Estados Unidos y el pasado fin de semana actuó en el «Primavera Fauna 2011» de Santiago de Chile.
Tras haberle perdido un poco la pista cual es mi sorpresa que descubro que acaba de publicar un avance de su próximo álbum «Dark Ages». ¿Será la nueva Lady Gaga Indie o la Grace Jones en su versión blanca tal y como se refieren a ella muchos tuiteros?
Os dejo aquí este video para que lo comprobéis vosotros mismos.
En cuanto a la susodicha canción, aquí tenéis el live del 2008. No es de buena calidad pero menos da una piedra.
Me encanta la idea de pensar que este blog está más vivo que muerto aunque no publique ninguna noticia en años. La realidad es que este lugar está ubicado en otra parte, no en la red, ni en internet, sino en un lugar más cercano y profundo, quizá en Marte y continúa siendo un hervidero […]
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My Martian World 